Los vampiros que revolucionaron la televisión.

Hoy toca hablar de televisión. Y lo hago mas que nada porque cine y television han ido siempre de la mano. La una ha inspirado a la otra y viceversa, y del mismo modo que las nuevas influencias artisticas se han utilizado en el cine, la televisión no se ha quedado atras y tambien las ha empleado a la hora de crear sus historias particulares. Me refiero obviamente a la television americana, y no a la española. Si aqui el surtido en series de television denota cierto olor a batiburrillo (y hablo de todas las ficciones, ya sean comedia, drama o intriga) con interpretaciones que dejan bastante que desear, en EEUU hacen lo contrario y cada estreno televisivo supone una vuelta de tuerca a todo lo que se habia visto en television hasta ese momento. Aqui en España nos conformamos con ir a lo seguro, con estrenar series cada vez mas parecidas para asi poder mantener los datos de audiencia. No arriesgamos. Pero en EEUU sucede precisamente lo contrario. El publico no responde ante lo mismo de siempre, y no se conforman con ver series de tematica igual o parecida. Por eso, todas las cadenas deben hacer un lavado de cara cada año y renovarse a si mismas para crear series un poquito mas originales que las anteriores. El año de las series estadounidenses por excelencia fue el 2004, mas conocido como la "epoca dorada" de la television americana. Y sus iconos fueron tres series que rompian todos los esquemas vistos hasta ese momento: "Mujeres Desesperadas", "Lost" y "Anatomía de Grey".
Con millones de seguidores a nivel mundial, se convirtieron rapidamente en un exito de audencia pero no solo eso, sino tambien en autenticos iconos que fueron acumulando legiones de fans alrededor del globo. Pero como sucede con todo, poco a poco se fueron desgastando hasta que se convirtieron en la sombra de lo que un dia fueron. Es inmensa la variedad televisiva que podemos escoger dentro de las cadenas americanas. Si HBO es el mayor detector de snobs visto hasta la fecha, The CW es la mayor fuente de placeres culpables que la television ha podido crear. Despues está ABC, Showtime... Cada una ofrece un tipo de television especifico, pero lo verdaderamente importante es la gran cantidad de ficciones que nos podemos encontrar.
Aunque todos los amantes de las series americanas deseen que vuelva esa oleada de nuevas creaciones televisivas que sean capaces de colmar sus expectativas, el verano es para mi una de las fechas claves dentro de la television. Y aqui es donde queria llegar. Porque no he escrito todo esto para hablar de la television americana de forma general como es logico.
Si todavia hay alguien que cree que la TV del otro lado del charco esta en crisis, eso se debe a que todavia no ha visto "True Blood".
 Sí. Para los que creiamos que lo habiamos visto practicamente todo en la pequeña pantalla, sin lugar a dudas estabamos equivocados. Ni las desesperadas de Marc Cherry, ni los medicos del Seattle Grace ni tan siquiera los perdidos del vuelo Oceanic, han conseguido levantar tantas ampollas como esta maravillosa creacion de Alan Ball, que ha sido capaz de poner de acuerdo a locos, cuerdos,  snobs críticos y a la audiencia internacional, pero tambien los ha puesto en contra entre ellos con sus numerosas tramas, subtramas y multiples orgias viscerales y carnales. No sabemos porque, pero todo el mundo adora "True Blood". Es algo asi como la serie que todo adulto estaba deseando ver: accion, sexo y violencia en cada capitulo, pero sin desentonar con el desarrollo argumental del contenido en general.

No soy precisamente alguien a quien le guste las tramas de vampiros. Ni de lejos. Por eso todavia me pregunto como empeze a ver esta serie. Lo cierto es que "True Blood", sin comerlo ni beberlo, ha puesto a todo el mundo a sus pies. Son muchos sus personajes y giros argumentales (muchisimos) y sin embargo nunca llega a ser liosa y por eso cada capitulo, que dura aproximadamente una hora, se pasa volando. El espectador llega exhausto al final de todas sus temporadas, pero jamas a trompicones pues los guionistas han sabido hilvanar de forma prodigiosa todos los personajes que conforman el conjunto de esta extraña, particular pero sobre todo diferente serie de television.

Resulta muy complicado hablar de este fenomeno televisivo, que con cuatro temporadas a sus espaldas, resulta igual de fresco, inteligente y divertido que el primer dia. Todos sus seguidores coincidimos en lo mismo, y es que nunca llega a cansar. Da igual los episodios que veas por dia, que jamas sentiras la sensacion de pesadez o repeticion que puede ocurrir con la mayoria de series (o incluso hasta con peliculas) porque sus guionistas saben hacer de cada temporada un mundo en si mismo. Nunca sabes que te va a deparar cada capitulo, un dia todos son felices y se quieren entre ellos, como al otro se estan matando. Es esa compleja capacidad de dar un giro de 180 grados, sin restarle verosimilitud a la historia, lo que la ha alzado como una serie de culto y todo un ejemplo a seguir en cuanto a narrativa cinematografica. Porque al igual que el cine, "True Blood" es puro espectaculo. Y quien le busca dobles sentidos y lecciones acerca de la vida y la muerte para justificar su visionado, no merece disfrutar del entretenimiento puro y duro que supone esta serie televisiva. Porque al terminar de verla, no nos hace pensar acerca la sociedad en la que vivimos ni sacamos ningun mensaje acerca del ser humano y su condicion. No señores, "True Blood" no busca eso, pero tampoco hace falta. Y es que a estas alturas todavia no conozco a nadie que al finalizar algun episodio de esta serie haya tenido tiempo de ponerse a pensar en dobles sentidos. Como ya decia anteriormente, es tanta la vertiginosa accion concentrada en 60 minutos, que se acaba exhausto. Es imposible pensar en algo mas excepto en la inmensa labor de sus guionistas a la hora de contarnos los entresijos de esa oscura localidad llamada Bon Temps, donde cualquier cosa puede pasar. Ya no solo el publico ha conseguido conectar con los personajes de tan enigmatico pueblo, sino que la critica nos ha dado la razon y poco a poco se ha convertido en el mayor fenomeno mediatico de la television americana del momento.

Antes lo decia, y lo vuelvo a repetir: el cine y la television se influencian mutuamente. Y actualmente, si hay algo que los guionistas de Hollywood deben tener en cuenta a la hora de escribir sus peliculas, sin duda alguna es la estructura narrativa de "True Blood". Una serie extremadamente original, que no deja a nadie, repito, A NADIE, indiferente. Por eso la recomiendo a todo el mundo, ya que lo bueno que tiene es que no esta dirigida a un publico concreto y cualquiera puede disfrutar con sus contenidos.
 Al principio puede parecer chocante y hasta grotesca, pero una vez que hayais decidido seguirle el juego y adentraros en el interior de ese pueblo sureño, os dareis cuenta de que nunca antes  habiais visto nada remotamente parecido. Creánme, la televisión ya no  volvera a ser la misma una vez que hayais visto "True Blood". Y no, no es una forma de hablar.

La lección mas valiosa: El derecho a ser diferente.

Muchas veces lo he dicho: la ceremonia de los Oscars en Hollywood no es más que puro marketing. Es inutil valorar una pelicula en funcion del numero de Oscars que puede tener a sus espaldas, ya que en dicha "fiesta" del cine no se valora la calidad de las peliculas, sino la cuenta corriente de sus directores. Y cuando esto ultimo no es suficiente criterio, entonces se opta por la moralidad. Decenas de veces se han premiado peliculas moralmente correctas (veáse "Forrest Gump") dandose de lado a autenticas maravillas por el hecho de ser diferentes, por atreverse a tratar contenidos polemicos, complicados, de esos que nadie se atreve a filmar.
El 2006 fue un año "conformista" para el cine. Tras decadas sin premiar a uno de los mejores directores americanos, el Oscar en las principales categorias cayó en manos de Martin Scorsesse por "Infiltrados", bajo mi punto de vista, una de sus peliculas mas flojas sin ninguna duda. Pero de alguna forma tenian que reconciliarse con este increible director otorgandole una oleada de premios excesivos por un remake frio, distorsionado, y facilon. La gran sorpresa fue que entre las nominadas a mejor pelicula se colase uno de los mayores descubrimientos del cine "indie" americano: "Pequeña Miss Sunshine".
Era la primera vez que Jonathan Dayton y Valerie Faris se ponian tras las camaras para dirigir una comedia dramática. En ella, se nos cuenta la historia de una familia de clase media americana que, aun estando pasando por una crisis economica considerable, deciden ir en furgoneta hasta California para cumplir el sueño de su hija: ganar el concurso de belleza Little Miss Sunshine. Asi, a modo de road movie, Michael Arndt escribe una historia acerca de una familia muy poco corriente: el padre es un fracasado y no sabe hace otra cosa sino inculcar a sus hijos las claves para ser un triunfador en la vida;  la madre intenta mantener a la familia unida cuando en realidad nadie la tiene en cuenta; el abuelo se queja la mayor parte del tiempo y esnifa heroina cuando nadie le ve; el hermano de la madre acaba de salir de un centro psiquiatrico despues de intentar suicidarse; el hijo mayor lleva nueve meses haciendo voto de silencio y odia a todos los integrantes de su familia. Y la pequeña Olive vive sus dias deseando ganar algun concurso de belleza cuando fisicamente, es mas bien poco agraciada. Asi, la pelicula nos relata esta maravillosa historia, aparentemente sencilla, pero extremadamente profunda. Vemos, por un lado, el dia a dia de una familia que sobrevive a todo tipo de contratiempos a base de bondad, atrevimiento y una vitalidad sin limites.

Pero por otro, "Pequeña Miss Sunshine" es mucho mas. En ella, se critica de forma magistral el mundo en el que vivimos, poniendo como ejemplo ese concurso de belleza, que, metaforicamente, viene a ser la vida. Reivindica el derecho de cada persona para ser y hacer aquello que le haga verdaderamente feliz. Ese es el autentico espiritu que convierte a esta pelicula en una pequeña joya: el derecho de cada uno a ser diferente, a no seguir los cánones que la sociedad nos impone y a vivir de la forma que queramos sin importar sexo, pais o religion. Todo ello, alcanza su momento álgido en el baile final de la pequeña Olive, el momentazo de la pelicula, donde uno no sabe si partirse de risa o llorar de emocion.

Sin caer en el tedio o en la autocritica pomposa, "Pequeña Miss Sunshine" es esa oda a la libertad de expresion que todos estabamos buscando. Y el camino que sigue para expresarnos ese profundo y maravilloso mensaje no podia ser mas perfecto ya que, durante su mas de hora y media de duracion, el film combina el drama con la comedia sin caer en sentimentalismos baratos. Nos hace reir hasta llorar de la risa (nunca una furgoneta pudo hacer que me doliera tanto la tripa) y tambien nos emociona (personalmente, termine la pelicula con los pelos de punta y una sonrisa complice en la cara). Es lo bueno de esta gran pelicula, que toca lo mas hondo de nosotros sin buscar que lloremos con sus personajes o que nos apiademos de ellos. Por eso mismo, al terminar de verla, a uno le gustaria poder acompañar a esa peculiar familia en otro fantastico viaje. Y si, quizas sean la familia más rara del mundo, pero a mi tambien me gustaria ser uno de ellos.Quien sabe, quizas yo tambien sea un poco raro...

Sofia Coppola: la clave del nuevo cine contemporáneo.

Hablar de Sofia Coppola es una de los mayores retos cinematograficos que un crítico puede realizar.  Es dificil hablar de ella sin caer en el estereotipo del cine "posmoderno" de la nueva generacion. Tras una poco prometedora carrera como actriz, debido a los continuos ataques de la critica al tratarse de "la hija de.." la joven norteamericana se adentro en el mundo de la direccion. Hija de Francis Ford Coppola, ya hizo sus pinitos siendo un bebe, en "El Padrino". Despues aparecería en la tercera parte de esta trilogia, por cuya intepretacion no faltaron abucheos y desprestigios. Asi, la joven se vio obligada a abandonar las posibilidades que el mundo de la interpretacion ofrecian, y comenzo su labor como directora y guionista. Su debut tras la camaras se dio con "Las vírgenes suicidas", pólemica cinta en la que Coppola criticaba la dura educacion recibida por algunos sectores de la sociedad americana allá por los años 60 y 70, cuando el fanatismo religioso dominaba en las casas de un mundo que se caia a pedazos mientas los mas fieles se entregaban a Dios y los mas rebeldes se unian al movimiento hippie para hacerse oir y reclamar su derecho a la libertad, y a decidir no apoyar una guerra que consideraban sin sentido.  Esta pelicula conforma las claves del nuevo cine independiente made in USA, una historia sencilla, lenta (muy lenta) contada casi en forma de suspiro, y con un sorprendente lirismo, ausente en la mayoria de los filmes estrenados en esa epoca.

Es la historia de cinco hermanas que aman, viven y sienten dentro de una jerarquia familiar en la que no tienen ni voz ni voto, viviendo bajo la tirania de las normas y la mirada dictatorial de una madre mas preocupada por mantener la integridad espiritual de sus hijas, que por darlas a conocer el verdadero significado de la vida, algo que ellas no pueden pedir sino en voz baja, a solas en su cuarto o mirando tras el cristal de su triste habitacion. Todo ello, es contado en tercera persona, bajo la voz de los jovenes muchachos que vivieron el descenso a los infiernos de estas desgraciadas hermanas. Los que se enamoraron de ellas y sin embargo se tuvieron que conformar con verlas al otro lado de la verja que separaba su jardin de la calle. Claro que, como con todas las represiones, las hermanas no tardaran en explotar y entregarse a sus deseos mas basicos, trayendo consigo consecuencias inimaginables para un vecindario que se cree a sí mismo idilico, perfecto."Las virgenes sucidas" no critica de forma directa, sino que prefiere mostrarnos una forma de vida para que el espectador sea el que saque sus propias conlusiones. La camara recorre en repetidas ocasiones ese barrio de ensueño en el que, a simple vista, nadie ha roto un plato y todos viven en armonia. Despues, nos introduce en el dia a dia de las adolescentes. No se muestran situaciones incomodas, ni gritos, ni violencia... Nada mas lejos de la realidad, la pelicula se conforma con mostrar la vida en sí misma. Y, creánme, no hay nada mas doloroso que una buena dosis de realidad para remover conciencias.

A pesar de todo, de tratarse de una de las mejores peliculas que la decada pasada nos dejo, no fue hasta su segunda pelicula cuando Sofia Coppola recibio todo el reconocimiento que se merecia. Con "Lost in translation" llego, no solo una de las obras maestras mas rotundas y perfectas que este siglo nos ha regalado, sino tambien una nueva forma de hacer cine: espontaneo, sencillo, vitalista y directo al corazon. Sofia Coppola escribe, dirige y se enamora de su pelicula, de sus personajes y de la ciudad de Tokyo, lugar en el que transcurre la accion.
El argumento es bien simple: dos norteamericanos que han sido arrastrados a la ciudad de Tokyo por circunstancias diferentes, se encuentran una noche en el bar del hotel en el que residen, en un intento desesperado por huir de la soledad que impregna su nueva vida. Casualmente se conocen, conectan entre sí y poco a poco se va forjando una intima amistad entre estas dos almas perdidas, en un viaje inusual en el que ya no solo se conoceran el uno al otro, sino tambien a sí mismos. Y mientras estos dos desconocidos se enamoran de Tokyo, nosotros nos enamoramos de ellos, de dos interpretaciones sinceras, entregadas con emocion y cariño. Y nos enamoramos de Tokyo, de sus personajes, de las noches en vela, del sushi a medianoche, de los karaokes, de los recreativos, del cine en blanco y negro...
Todavia hay quien dice que durante todo el metraje no pasa nada, que apenas hay dialogos, que la accion brilla por su ausencia, que la pelicula es la "nada" reducida a su mayor expresion. Entonces siento pena, porque quien dice eso, verdaderamente no ha entendido absolutamente nada de esta gran pelicula y no ha sabido ver más allá de todo lo que "Lost in translation" supone.

 Porque "Lost in Translation" no es una pelicula al uso. Es una poesia, una cancion cantada al oido, es cómo llegar a casa despues de una calurosa tarde de verano y beberte de un trago una botella de agua helada. Es como gritar en la cima de una montaña, como subirte en una atraccion de feria o encontrarte con un viejo amigo al que hace meses que no ves. "Lost in translation" no es cine, señoras y señores, es sentimiento. Es una pelicula que no se puede ver sin más, hay que sentirla, vivirla y lanzarte al vacio en un viaje interior junto con sus dos protagonistas. No hay amor conyugar, ni atraccion sexual, pero aun asi hay mucho mas amor en los ojos de estos dos amigos que se acaban de encontrar de forma casual, que en cualquier melodrama de sobremesa. Por todo eso, y más, "Lost in translation" es un punto y aparte dentro del cine. Es el inicio de una nueva generacion de directores que no se contentan con contar una historia, si no que nos hacen vivirla como si nosotros fuesemos un personaje mas. Y aunque es una premisa excelente, es una pena que nadie más aparte de Sofia Coppola con ésta pelicula haya sabido utilizarla con tantisima magia, humor, ironia y atrevimiento.

Despues, vendría "Maria Antonieta", pero para entonces, el verdadero sentimiento de esta directora promesa ya estaba difuminado. Sus dos ultimas peliculas, no son sino reflejos de lo que un dia fue. Recuerdos de que, cualquier etapa pasada siempre fue mejor. Pero de todas maneras, resulta dificil volver a sentarse a ver una pelicula de Sofia Coppola, sin que se te aparezcan a la mente los rostros fragiles y aun asi rotos a pedazos de las hermanas Lisbon, o Bill Murray susurrandole a Scarlett Johanson al oido palabras inaudibles. Menuda idiotez que aun haya gente en los foros intentando descifrar lo que se dice en tan memorable despedida, cuando los ojos empañados de ella y la mirada cómplice de él ya lo dicen todo. Y como siempre se ha dicho, una imagen vale mas que mil palabras.

Redefiniendo el mito.

Diez años han tenido que pasar desde el fállido remake dirigido por Tim Burton del clásico de 1968 "El planeta de los simios". Ahora, una nueva pelicula hace justicia a ese mas que olvidable remake, pero esta vez en forma de precuela. Cualquiera que como yo, al conocer que este proyecto estaba en evolucion, penso que no habia mucho que contar al respecto, se equivoca.
En manos de otro director, este proyecto podria haber sido un autentico desproposito. En si el argumento suena a chiste: intentar exlicar como comenzo lo que en 1968 y 2001 llego a nuestras pantallas. Si el film de 1968 es un ejemplo de cine catastrofista, que ha pasado a la historia como pelicula de culto, el de 2001 decepciono a medio mundo debido a una arriesgada vuelta de tuerca que Tim Burton no supo explotar, pero que a resumidas cuentas, venia a contar exactamente lo mismo. Esta vez, Rupert Wyatt es el encargado de dirigir esta nueva pelicula de la franquicia, y el resultado no podria ser más brillante. Rick Jaffa y Amanda Silver, guionistas de "El origen del planeta de los simios", junto con su director Wyatt, crean una historia de ciencia-ficcion que, lejos de lo que podria parecer, resulta tremendamente humana. Con un ritmo trepidante que no deja ni un minuto de respiro al espectador, la trama se centra en el simio César, adoptado por el cientifico Will, que está intentando buscar una cura para el alzheimer con un novedoso medicamento que aún no ha sido probado, tan solo en primates. A medida que el joven César va creciendo en su nuevo hogar, el medicamento va teniendo notables resultados. Pero cuando, tras un altercado, César es alejado de su hogar y de lo que el considera su familia, poco a poco empezará a comprender que tanto el como el resto de primates tienen su lugar en el mundo, y éste no debe ser impuesto por el ser humano.

Si hay algo que sorprende en una pelicula de este tipo, es el sentimiento con el que esta pelicula esta contada. Pese a ser ciencia-ficcion pura y dura, la pelicula se centra en las emociones de todos sus personajes, muy especialmente los del verdadero protagonista de la funcion, el joven César. Y sin dejar de lado dichos sentimientos, se mezcla una accion vertiginosa que lleva a la pelicula a un desenlace que tiene que ser visto para ser creído, con secuencias para el recuerdo y escenas que quitan el aliento gracias a unos efectos especiales casi perfectos. Porque... ¿De verdad a alguien se le paso por la cabeza que esos simios no eran reales?
No pasará a la historia del cine ni de lejos, ni sera una obra maestra digna de recordar con el paso de los años. "El origen del planeta de los simios" es lo que es, puro entretenimiento. Pero este es un entretenimiento inteligente, digno de visualizar, que no atenta contra la inteligencia del espectador o la verosimilitud de su historia. Una pelicula para olvidarse de todo, y que tras su secuencia final, nos hace plantearnos una pregunta realmente importante... ¿De verdad somos nosotros la especie civilizada? Hagan sus conclusiones. Mientras tanto, yo recomiendo esta pelicula con rotundo entusiasmo.

Todos estamos algo "rotos" por dentro...

Quizas sea cierto eso de que "Los abrazos rotos" es la pelicula mas impersonal de su director, quien sabe. Pero tambien es cierto, que hacia tiempo que no contemplaba una historia narrada con tantisima pasion, esmero y dedicacion. Y es que estos "Abrazos rotos" de Almodovar, mas que una pelicula, parecen un grito desgarrado desde el alma de su autor, una durisima historia de amor que nos sumerge en la vida de Harry Caine, un guionista de cine que ha perdido la vista y que pasa sus dias escribiendo en la soledad de su apartamento, con la unica compañia que la de su intima amiga Judith, y el hijo de esta, Diego. Pero la llegada de un extraño director de cine, obliga a Harry a recordar su pasado, cuando todavia se llamaba Mateo y dirigia la que fue su ultima pelicula junto al amor de su vida: Magdalena. A partir de ahi, la vida de estos personajes ira yendo  y viniendo, del pasado al presente y viceversa, en una dolorosa historia de amor dominada por el deseo, los celos, la culpa y la obsesion.
La verdadera magia de "Los abrazos rotos" reside en su historia, un melodramón con todas las letras, de esos que solo Almodovar es capaz de crear. Nos introduce en su particular universo y nos narra una compleja historia de amor al limite, llevando a todos y cada uno de sus personajes a un destino tan inesperado como trágico. A pesar de la brillantez con que esta historia esta contada, se hecha en falta algo del Almodovar verdadero: un poco menos de sobriedad y mas autenticidad. Porque aunque la historia nos introduzca de lleno en el mundo de los sentimientos frustrados que el manchego tanto se esfuerza en mostrarnos, se hecha de menos al Almodovar de antes, con algo mas de exageracion y rabia a la hora de mostrarnos esa destructiva historia de amor entre Magdalena y Mateo, mas espontaneidad en sus dialogos y menos frialdad, pues es obvio lo que Pedro a querido demostrar con su ultima pelicula hasta la fecha, y es una madurez supina a la hora de realizar sus peliculas, alejado por completo de la frescura y genialidad de personajes tan descarados, vulgares y aun asi carismaticos como los que pudimos ver por ejemplo en "Todo sobre mi madre" o "Tacones Lejanos". Pero a pesar de todo esto, "Los abrazos rotos" es todo un regalo para los sentidos, de factura impecable, con una banda sonora que envuelve al espectador acompañada de su magistral fotografia, algo a lo que ya estamos acostumbrados en el cine de este director.
Aun si tuviera que quedarme con lo mejor de la pelicula, sin duda alguna destaca el elenco interpretativo: Penélope Cruz derrocha sensualidad se mire donde se mire, en un papel hecho totalmente a su medida; Lluis Homar, en el rol del amante herido, conmueve con su mirada perdida en el horizonte, y para el recuerdo quedan sus manos tocando a tientas la pared mientras su hijo proyecta la secuencia de su ultimo beso entre él y Magdalena, en un intento desesperado de poder recuperar esos instantes pasados y huir del dolor presente. Pero quien lleva aqui el peso de la obra, es Blanca Portillo, que pone la carne en el asador para entregarnos a la desgraciada Judith, realizando un ejercicio envidiable de interpretacion que será estudiado sin duda alguna en las escuelas de cine en años venideros. Un personaje complejo, y riquisimo en matices, que Blanca Portillo explota con dedicacion y esmero, demostrandonos porque a dia de hoy es de las mejores actrices existentes en el panorama cinematografico español.
"Los abrazos rotos" no es la mejor pelicula de su director ni mucho menos, pero sí es toda una leccion de buen cine y saber hacer esceneográfico. Una pelicula donde los sentimientos brotan a flor de piel, y en el que en cada fotograma se ha sabido exprimir lo mejor (o al menos lo intenta) de todas las posibilidades que su apasionante argumento ofrecia. Muy buena y por lo tanto, totalmente recomendable.

Vivir para contarlo.

El cine, como todo en la vida, es el reflejo de la experiencia vital de cada uno de nosotros. El ser humano se define siempre a sí mismo por sus aficiones, lo que le gusta hacer, lo que odia, el prototipo de gente con la que queremos compartir nuestra vida, los amigos con los que nos rodeamos, los detalles que nos hacen feliz... Así, como parte de nuestra vida cotidiana, el cine nos define como personas. Segun el género que nos guste o el tipo de director que no soportamos ver aunque lo hayamos intentado miles de veces, alguien a quien no conocemos de nada podria hacerse una ligera idea del tipo de persona que tiene delante.
Al ser un modo de expresion artística, el cine toca los sentimientos de miles de millones de personas, pero de forma diferente. No todo el mundo se emociona con las mismas cosas, como es lógico. Ni se rien con las mismas situaciones cómicas. Tampoco el miedo actua igual en todas las personas y por eso es muy importante dar con la clave de aquello que nos asusta, que nos emociona y que nos hace reir a carcajadas para poder disfrutar de una buena pelicula sentados en la butaca de un cine o en el sillon de casa con un buen bol de palomitas. Hay que ver cine, mucho cine, cine de todos los tipos: de terror, de suspense, de comedia, peliculas de amor, melodramas, westerns, de ciencia ficcion, musicales, eróticas... Porque alguien que disfruta, por ejemplo viendo una pelicula cualquiera a las cuatro de la tarde en cualquier cadena autonomica despues de comer, ya esta disfrutando con el cine, sea cual sea su argumento, su presupuesto o sus actores principales. Aquellos que como yo, se lo pasan en grande viajando a través de sus sentimientos interiores y experimentando otros que ni siquiera sabian que tenian mientras contemplan una sucesion de imagenes en una pelicula cualquiera, no deben permitirse el lujo de estancarse en un tipo de cine concreto. La industria cinematografica son como unas vacaciones por todo el mundo: puede que aquel viaje a la India nos gustara mucho pero.. ¿precisamente por ello tenemos que irnos alli todos los años en vez de explorar otros horizontes? Quien sabe lo que nos puede esperar un poco mas al norte, o incluso en otros continentes mas lejanos...
Hay que ver cine para experimentar sensaciones, porque son muy pocas las cosas de la vida que nos permiten vivir situaciones limites y conocer otra forma de ver la vida desde los ojos de seres humanos ajenos a nuestra propia vida, y por eso, al ser el cine una de ellas, debemos aprovecharlo al maximo. Y una vez que hayamos conocido un poco ese maravilloso mundo del cine, podremos escoger a quien elegir como acompañante de nuestro viaje emocional cada vez que veamos una pelicula, y a quien no meteremos en nuestra maleta ni por asomo.  Es por ello, que no todo el mundo disfruta viendo una pelicula de Tarantino, de Lars Von Trier, de James Cameron o de David Lynch. Cada persona es un mundo, y el cine, como mundo en sí mismo, nos ofrece la posiblidad de escoger nuestro pedazo entre miles de opciones. Por eso es muy importante disfrutar del buen hacer de cientos de directores, actores, actrices o guionistas... Porque hay todo un mundo de emociones esperandonos ahi afuera, y si no lo descubrimos por nosotros mismos, nadie más lo va a hacer.

"Black Swan" o como hacer del cine verdadero arte en movimiento.

 "Cisne Negro". O la amas o la odias, no hay mas. Y siento ser tan directo, pero es que no hay termino medio para definir esta joya en bruto, este regalo para los sentidos que el pasado 2010 nos dejo.
Darren Aronofsky siempre fue un director capaz de meterse en la mente humana y exprimirla hasta dejarnos secos. Nos ofrece sus cartas, y juega con todas y cada una de ellas hasta alzarse como el unico vencedor. Es lo bueno de este director new yorkino que cada vez nos ofrece en bandeja de plata peliculas mas complejas, que, como decia anteriormente, o amas o detestas.
Su debut cinematografico se dio con "Pi (Fe en el caos)", pelicula rara donde las haya y totalmente incomprendida por la mayoria del publico, alla por 1998. Sin embargo el tiempo la puso en su lugar alzandola como pelicula de culto... Rarezas de la vida.
En "Pi", Darren nos contaba la historia de un matematico que estaba a punto de hacer el mayor descubrimiento de su vida, no sin ser acosado por multitud de importantes compañias que quieren apropiarse de su hallazgo. El final, tan sorprendente como demoledor, es considerado la cumbre paranoica cinematografica por excelencia.

Aun si, no fue hasta "Requiem por un sueño" cuando yo conoci a este fantastico director. La pelicula, fue basicamente un chute de cine en vena, sin mas. La historia de tres amigos drogadictos y perdedores con ganas de ser alguien en la vida, y la madre de uno de ellos y su obsesion por el cuerpo, son el entramado de una historia que dejo boquiabiertos al festival de Cannes alla por el año 2000, y que muy pocos pudieron soportar. Una pelicula no apta para mentes sensibles, de esas que te dejan el corazon helado y de la que dificilmente uno puede olvidarse. Una vez mas Darren lo volvio a hacer, creo una pelicula de las que levantan odios y pasiones por igual. Yo, me incluyo en estos ultimos ya que son muy pocos los directores que hacen cine de verdad, del que sale de dentro, del alma. Cine capaz de hacer sentirse vivo al espectador, un tipo de cine que convierte a aquel que lo ve en un protagonista mas. Porque el cine de Darren Aronofsky mas que peliculas son experiencias unicas e irrepetibles.

Despues de la abucheada (e infravalorada) "La fuente de la vida", Darren volvio tras las camaras por la puerta grande y deleito al mundo con una historia de superacion personal llamada "El luchador" por la que le llovieron los premios, tanto a el como a su protagonista, un soberbio e insuperable Mickey Rourke.
Ahora, casi dos años despues, Aronofsky nos brinda la que para mi, es su mejor pelicula hasta la fecha. "Cisne Negro" es la historia de Nina, una bailarina de ballet que ve como su sueño de convertirse en la protagonista de "El lago de los cisnes" se hace realidad. Sin embargo, ese es solo el comienzo de un duro proceso de preparacion psicologica en el que Nina comenzara a obsesionarse por el papel de su vida, hasta el punto de no reconocer lo que es realidad y lo que es ficcion.
En esta pelicula, el director hace lo imposible para meternos en la mente de la perturbada Nina. Una vez mas, como decia anteriormente, nos sumerge dentro de su historia y nos convierte en testigos impasibles de una apasionante historia que huele a poesia y oscuridad se mire por donde se mire. Desde el comienzo, sabemos que algo va mal... Se crea una atmosfera inquietante, el espectador no se siente agusto en su butaca pero sin embargo no puede apartar la vista ni un solo instante de la pantalla. Y poco a poco, la pelicula va "in crescendo". Somos nosotros los que estamos dentro de la mente de Nina, los que experimentamos el proceso que ella esta viviendo, los que sufren, los que sienten miedo, los que rien y lloran... Darren crea una autentica paraonia de pelicula, una pesadilla psicotropica, que desemboca en uno de los mejores finales que jamas haya podido visualizar en la sala de un cine. Veinte minutos de cine puro y duro, del que te hace llevarte las manos a la boca y tener los ojos como platos y la piel de gallina hasta un final portentoso, inigualable, fascinante e insuperable.
Y como no, esta pelicula sin lugar a dudas no existiria sin la maravillosa interpretacion de Natalie Portman.  Esa evolucion del personaje de Nina, Portman la lleva hasta el extremo en lo que considero el papel de su vida. Faltan las palabras a la hora de hablar de la excelente labor de esta increible actriz norteamericana, que nos entrega una impagable leccion de interpretacion, regalando todo un gozo visual a los amantes del buen cine...

Cinco nominaciones a los Oscar han abalado la esplendida labor de Darren Aronofsky, y como no, el mas que merecedisimo Oscar a mejor actriz a Natalie Portman, una de las mayores justicias cinematograficas que la Academia ha hecho en muchisimo tiempo, y que en cierto modo, ha hecho que vuelva a reconciliarme con ella. A los que aun no la han visto, no se a que estan esperando, por que sin lugar a dudas, estamos ante una de las mejores peliculas de la década. No se la pierdan por nada del mundo.

De lo puta que es la vida...

Alla por el 2007, Julian Schnabel sorprendió a Francia y al mundo entero con la que es considerada su obra maestra: "La escafandra y la mariposa", en donde nos cuenta la historia real de Jean-Bauby, antiguo redactor jefe de la revista "Elle", que en 1985 a la edad de 43 años sufrio una embolia cerebral que le dejo totalmente paralizado de por vida, tras haber pasado 20 dias en coma. No podia moverse, ni hablar, ni comer, ni respirar sin ayuda. A pesar de ello, gracias al hospital, Bauby consiguió aprender un nuevo idioma basando en el parpadeo de su ojo izquierdo, y fue asi como consigió escribir el que ha sido el libro de su vida. Cuatro nominaciones a los Oscar incluyendo mejor director, mejor guion adaptado, mejor fotografia y mejor montaje, asi como sus dos globos de oro a mejor pelicula y mejor director, abalan el trabajo de este director francés que se atrevio a contar la tragica historia de este hombre que vio como su vida daba un giro radical de la noche a la mañana, pasando de ser un hombre de exito a un hombre atrapado en su propio cuerpo, como el propio Bauby dice en la pelicula (papel interpretado por un insuperable Mathieu Amalric). Y no es para menos, ya que desde los titulos de credito iniciales sabemos que estamos ante una pelicula totalmente diferente a cuanto hemos visto hasta ese momento. Sin ir mas lejos, el director crea una conexion inmediata del espectador con el propio Jean-Bauby haciendole participe de su desgracia, y haciendo que durante la mayor parte del metraje veamos absolutamente todo desde la perspectiva del protagonista, postrado en la cama la mayoria de las veces, o en su silla de ruedas otras tantas. Es asi como podemos, de alguna forma, sentir a lo que tantas veces se hace referencia en la pelicula: el cuerpo como carcel del protagonista y su imaginacion como unica via de escape. Comprendemos ese agobio y nos esmeramos en aprender ese lenguaje, basado en el parpadeo del ojo izquierdo, siendo igual de pacientes que cualquiera de los logopedas que trabajan con el para intentar que consiga comunicarse con el resto del mundo. A pesar de todo, de la tremenda originalidad del film y del encomiable esfuerzo de Julian Schnabel y, obviamente, de su maravilloso actor protagonista, la pelicula nunca llega a ser la verdadera obra maestra que pudo ser y no fue. Porque a pesar de su extremada sensibilidad, no termina de emocionar por completo, no llega a calar hondo y eso que tenia todas las papeletas para ello. Porque durante todo el metraje, el director va acumulando sentimientos, nos va dando poco a poco, de forma lenta pero inexorable, el corazon de Jean-Bauby pedazo a pedazo. Pero el problema, es que al final no sabe jugar bien todas sus bazas, y se opta por un desenlace seco y algo precipitado, en comparacion con el lento y pausado desarrollo del resto de la pelicula. Se hecha en falta, ya no solo la perspectiva del protagonista, sino tambien de sus seres queridos, poder ver como han vivido ellos esa desgracia desde sus casas para sintonizar con todo el conjunto de personajes que entran y salen en la vida de Jean, para poder valorar de forma mas objetiva la cruda experiencia de este hombre sacudido por la desgracia. Aún así, a pesar de tener sus fallos, "La escafandra y la mariposa" es una pelicula mas que correcta en la que, a pesar de hechar en falta algo mas de emoción en su tramo final, nos mete en la piel de este hombre coraje, y nos empapa, sobre todo, de ganas de vivir. Eso es lo mas importante y con lo que yo me quedo, que a pesar de tratarse de un autentico drama, la pelicula rebosa esperanza, optimismo y fuerza por los cuatro costados. Algo que, en los tiempos que corren, llenos de miseria y descorazonamiento, es todo un logro.

"Iniciacion a la locura" por Gus Van Sant

No he seguido muy de cerca la obra de Gus Van Sant, mas que nada porque la mayoria de sus peliculas no me llaman especialmente la atencion. Pero hace unas semanas me picó el gusanillo por ver una de sus ultimas peliculas, "Last Days", para la cual se habia inspirado libremente en los ultimos dias del cantante del grupo Nirvana, Kurt Cobain. He de decir que fue esto ultimo lo que me llevo hasta esta pelicula. La curiosidad por ver como Van Sant se las ingeniaba para contarnos como fueron los ultimos momentos en la vida del famoso cantante. Despues de haber leido lo que la critica decia de dicho film, iba predispuesto a encontrarme con una pelicula lenta, aunque esto no me importaba en absoluto. Esperaba encontrarme con un unico actor en escena (Michael Pitt), y que la pelicula se centrase exclusivamente en el retiro espiritual de Kurt Cobain antes de su suicidio. Y es que aunque mucha gente lapidase en sus criticas la pelicula por la escasa accion, para mi esto no era ningun inconveniente. Me interesaba ver en sobremanera el ocaso de una estrella del rock, la soledad de sus ultimos dias, su lenta autodestruccion, hasta llegar al tragico final. De ahi viene mi decepcion con esta pelicula. El error de su director, ya no es solo el atrevimiento de utilizar la mitica figura de Kurt Cobain para narranos su historia. El mayor error deriva sin lugar a dudas en la inclusion de personajes carentes de sentido y que no aportan absolutamente nada a la trama. ¿O es que alguien me puede explicar que pintan en la pelicula los compañeros de piso del protagonista? Efectivamente, es imposible adentrarse en la compleja mente de un cantante atormentado y eclipsado por su propio exito, cuanto aparece en escena dichos personajes. Todavia no se que aportan a la pelicula, o que mensaje quiere transmitir su director con todo ello, pero lo unico que se es que la pelicula resulta soberanamente aburrida cada vez que ellos aparecen, lo cual ocupa casi un 40% del metraje. Lo unico que la salva, como era de esperar, es simple: el personaje de Blake (o lo que es lo mismo, Kurt) interpretado por Michael Pitt, que se come todas y cada una de sus escenas a bocados. Solo cuando el aparece en escena, el espectador (o por lo menos yo, en mi caso) es capaz de vivir el sufrimiento de esa estrella de la musica que ha perdido el rumbo, y sentir, aunque sea solo por breves instantes, ese dolor interior que culmina en lo que es sin duda la escena clave de toda la pelicula, cuando el desgraciado Blake canta su ultima cancion, justo antes de poner punto y final a su triste existencia. Es ese momento, el que sube el liston de la pelicula, una autentica oleada de fuerza, pasión y dolor que lleva a    su descarriado personaje hasta ese final inevitable.
"Last Days" no es una mala pelicula, ni mucho menos. Pero es menos de lo que cabia esperar. Personajes innecesarios que llevan muchas veces el peso de la accion sin aportar absolutamente nada se cargan lo que podria haber sido una obra maestra. Pero ahi esta Michael Pitt, para levantar una pelicula que cojea y demostrarnos con su mirada perdida que una sola cancion basta para que nos reconciliemos de nuevo con esta hipnotica y extraña pelicula.

A los que aman el cine.

Segun dice la wikipedia, el cine es "la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o película, o film, o filme)"
Sin embargo, para los que vivimos el cine con autentica pasion, este arte es mucho mas de lo que por definicion se dice de ella... Vamos a la taquilla, sacamos la entrada y nos dirigimos hacia una sala cualquiera en un cine cualquiera, no sin antes comprar las palomitas de rigor. Entramos en la sala, nos acomodamos y de repente se apagan las luces. Todo el mundo esta en silencio. A tu lado hay alguien sentado a quien no conoces y durante las proximas horas vais a compartir juntos risas, llantos, miedo, angustia, amor, terror... emociones. 
Si. El cine es capaz de hacer que cien personas a la vez sientan lo mismo en un momento determinado, nos lleva a mundos que ni tan siquiera fuimos capaces de imaginar, saca lo mejor de nosotros y, a veces, nos golpea con fuerza para instantes despues encenderse las luces y devolvernos a la realidad. Salimos al exterior. El aire nos azota en la cara y entonces pensamos en lo que hemos visto, donde hemos viajado y lo que hemos vivido durante un pequeño trozo de nuestra vida. Y en el mejor de los casos, esas sensaciones se quedan grabadas en nuestra retina para no irse jamas. Hay peliculas que nos marcan para siempre, que solo tenemos que reproducir para volver atras en el tiempo y sentir exactamente las mismas emociones que sentimos la primera vez que la vimos. Es como una maquina del tiempo, que nos hace retroceder y recordar otros momentos de nuestra vida, a veces felices y otras no tanto. 
El cine al fin y al cabo no solo une a las personas, sino que a veces las transforma para siempre. A veces hay peliculas que definen nuestra vida, y sin ellas nada hubiera sido lo mismo. Solo pero esto ultimo, quiero dedicar este blog, que empieza hoy, a todas esas personas que como yo aman con todo su corazon el cine y todo lo que ello supone. Los que pensamos que sin el cine, este mundo gris no seria lo mismo y los que, obviamente, vivimos y sentimos la vida con garra, pasion y con todo nuestro alma. A todos ellos, gracias...